« To me, this run isn’t just the best « Daredevil » run of all time (and that’s saying a lot) — it’s also one of the best comics, ever », cette affirmation de Christine Hanefalk (« In Your Face Jam: Thanks For Making Me Cry, « Daredevil »», http://www.comicbookresources.com, 2 septembre 2015) aurait pu être écrite par nous. À de nombreuses reprises, nous avons affirmé notre admiration pour le style d’écriture de Mark Waid. Un auteur que nous avons découvert dans la série Daredevil et nous affirmons aujourd’hui que cet écrivain était en parfaite symbiose avec son sujet créant un des récits les plus organiques qui évitait plein de pièges du comicbooks.

Pour comprendre le souffle que Waid a donné au personnage, il faut se rappeler la nature du matériau de base : « For years, Daredevil had been one of Marvel’s grimmest comics. Recent years had seen Daredevil outed as Matt Murdock at the hands of the Kingpin, loved ones murdered or driven insane by various villains, a stint in prison, and even a brief possession by a demon. When Mark Waid and artist Paolo Rivera took over Daredevil in 2011, many wondered how the two creators would destroy Murdock’s life next. The answer: they’d make Daredevil happy.

The creator’s Daredevil run marked a return to the fun, swashbuckling superhero adventures not seen in a Daredevil book since the Silver Age. Not only did Daredevil beat gangsters and supervillains without losing loved ones or suffering personal tragedy in the process, he did it with a smile, pursuing life with a newfound optimism and bravado. For months, Daredevil readers waited for the other shoe to drop, because this was a Daredevil series and Matt Murdock could only experience so much good in his life before the Kingpin showed up at his doorstep and beat him half to death. But the wins kept piling up for Daredevil and while Matt’s personal life was a mess, he wasn’t adding to his problems with his typical self-destructive behavior. For the first time in years, Daredevil was a “fun” comic, a relative rarity in a genre filled with serious and straightforward takes on superheroes. » (Christian Hoffer. « A Look Back at Waid and Samnee’s Daredevil and Its Importance to Modern Comics », http://comicbook.com, 12 septembre 2015). Malgré ce virage, comme le rappelle Christine Hanefalk, Waid n’a jamais prétendu que la dépression de Matt Murdock était résolue, elle toujours là et le héros devait juste apprendre à vivre avec au lieu d’en faire un point central dans le récit. « Waid shows that superhero stories can still tell serious stories without being dark and brooding » (Dylan Routledge, « The Weekly Challenge: Mark Waid », http://www.comicbookdaily.com, 12 october 2015).

Outre le virage effectué au personnage (tout en restant fidèle à celui-ci), le concept mis de l’avant, la reconnexion, l’hommage  au Silver Age est réalisé de façon très moderne : « Waid himself also contributes to the nostalgic mood of Daredevil, particularly with his choice of focus and guest characters. As well as bringing back old foes like Stiltman or the Jester or the Spot, he makes a point to focus on characters and concepts that feel tied and rooted in the sixties. Hank Pym is a recurring guest star, with the “hip scientist” and ant motif that defined the character in his earliest appearances. Indeed, Pym provides a link to the classic Avengers universe, nostalgically observing how things have changed. “It’s not like the old days of the Avengers where everyone’s a casual identicard call away.” » (Darren, « Mark Waid, Chris Samnee, Paolo Rivera et al’s Run on Daredevil (Vol. 3) (Review/Retrospective) », https://them0vieblog.com, 24 avril 2014).

Cette approche ne fait pas l’unanimité, personne ne peut le faire, ainsi certains mentionnent : « Reading the book feels more like something from the early 1960s than something modernized…» (Andrew Ardizzi, « Daredevil # 7 », https://www.comicbookdaily.com, 26 décembre 2011). Nous ne sommes naturellement pas d’accord avec cette description. Un hommage au style des années 1960 aurait amené un texte sur écrit afin de rendre parfaitement limpide le propos du récit ne laissant aucune ambiguïté. Waid laisse son récit parler de lui-même et le lecteur faire sa propre interprétation des motivations des personnages. Pour nous, ce style d’écriture est une véritable école et une source d’inspiration constante.

Alex Dueben discutait de la carrière de Roy Thomas et il avait cette phrase intéressante à l’intérieur de son texte : « Continuity just came naturally to me. If you’re trying to get readers to take your world seriously, it seems to me that you have to take your world seriously enough that you treat it like a real world. » (« Roy Thomas Talks Creating Avengers Villain Ultron and His 50 Years in Comics », http://www.comicbookresources.com, 24 avril 2015). Ce propos rejoint une idée que nous aimons émettre, ce n’est pas parce que le sujet est léger qu’il ne doit être pris au sérieux. Mais créer cette continuité implique de la patience afin de développer sur le long terme les ramifications de notre univers (Emily S. Whitten. « Wrting the long game », http://www.comicmix.com, May 12, 2015. Cependant, dans le monde d’aujourd’hui, est-ce que le commun des mortels a le temps de s’investir dans cet univers aux multiples interrelations?

Chris Sims analyse le rôle de la maîtresse et ses interactions avec le héros. Il met en lumière :

« And those are, in all honesty, the best case scenarios for a lot of love interests. Like everything in a comic book story, they exist to create drama, but superhero comics have historically had a very specific kind of drama in mind when it came to the fates of romantic partners, especially, overwhelmingly, women: They tend to wind up dead for the sake of a cheap thrill and setting up a villain. It’s a cliché so prominent that it’s become one of the best known tropes of the genre, and while that’s frustrating and detrimental on a lot of levels, it also has the very practical function of almost requiring new love interests to be introduced. » (« Ask Chris #260: Love, Exciting And New; On the Dramatics of Superhero Love Interests », http://comicsalliance.com, October 2, 2015).

Tasha Robinson va dans le même sens lorsqu’elle affirme : « If she does accomplish something plot-significant, is it primarily getting raped, beaten, or killed to motivate a male hero? Or deciding to have sex with/not have sex with/agreeing to date/deciding to break up with a male hero? Or nagging a male hero into growing up, or nagging him to stop being so heroic? Basically, does she only exist to service the male hero’s needs, development, or motivations? » (« We’re losing all our Strong Female Characters to Trinity Syndrome », http://www.huffingtonpost.com, June 16, 2014).

En ce sens, Sims precise:  « adding in a love interest is one of the best ways to reveal something about a character’s personal life — the type of thing that really makes you care about them beyond just getting into a punch-up with someone who’s trying to rob a bank while dressed as an egret or whatever — but it’s also a purely functional way to add in entirely new worlds of drama.» (« Ask Chris #260: Love, Exciting And New; On the Dramatics of Superhero Love Interests », http://comicsalliance.com, October 2, 2015). Le personnage féminin est motivé par ses propres intérêts qui permettent de révéler les sentiments de d’autres personnages.

Nous ne croyons pas que de créer des personnages féminins forts signifie de les mettre dans les mêmes positions que les hommes. Bref, au lieu d’avoir utilisé un homme, on crée une femme et on la fait agir de la même façon que sa contrepartie masculine. Dans l’aventure « Home sweet home », il y a une petite phrase qui permet de départager la relation entre Eva et Benson. C’est Benson qui indique à Eva qu’il s’est ennuyé d’elle.

Marc Alan Fishman souligne que : « [Writers] can’t simply let their comic character live and die with the times. They must constantly be in a cycle or dramatic repartee with one another. They must converge on mighty battlegrounds. They must make odd alliances. They must recalibrate, reinvent, and redefine their very being every few months. The moment they stop, the attention is drawn elsewhere. » (« Wanted, Dead or Alive … Not Both », www.comicmix.com, May 3, 2014). Dans ce contexte, « The culture of superhero comics encourages repetition; Marvel and DC creators recycle tropes, story structures, and approaches to characterization. Inasmuch as readers approach these comics with certain expectations—to see the last-minute return of a believed-dead hero, the dissolution and reunion of a superteam, etc—this isn’t necessarily a problem. » (Greg Hunter, « Batman: Death of the Family », www.tcj.com, Frebuary 12, 2014.). Ainsi, « , idea generation is the true value of the end product. […] But if we chain the hands of our creative teams and force them to work within the confines of a limited universe, we’re removing the possibility of those teams then creating something truly memorable. » (Marc Alan Fishman, « Captain America, Thor, Changes, Stunts… », www.comicmix.com, June 26, 2014). Ainsi, l’ennui n’est de recycler des concepts, mais de mal les articuler. « You can figure out the rest. It was mind blowing to see how fandom had embraced Bucky, which more than anything, had to do with the magnificent story that Ed Brubaker was writing. » Dans cette univers sans contrainte de vie ou de mort, c’est l’exécution qui fera en sorte que les concepts, même recyclés, sauront passer l’épreuve du temps.

Matt D. Wilson fait ce constat : « Certain generations of comics readers remember their favorite runs as especially long, and the comics of their youth being particularly focused and author-driven. But the truth is that long runs have always been pretty special and fairly rare. Now, maybe the short runs are getting shorter. » (« Perception Vs. Reality: ‘Long Writer Runs’ At Marvel & DC », comicsalliance.com, January 23, 2014). Est-ce un problème? À la base nous souhaitons lire de bonnes histoires. Alors si l’auteur est incapable d’en offrir alors, il est normal que l’éditeur veuille le remplacer. Cependant, son remplaçant va vouloir marquer son arrivée et il aura souvent recours à des concepts pour marquer l’imagination (Juliet Kahn, « Putting The Sidekick In The Suit: Black Captain America, Female Thor, And The Illusion Of Progress », comicsalliance.com, November 24, 2014), mais ceux-ci auront rarement prise avec la continuité ou l’essence du personnage. Ceci à l’inconvénient d’amener des changements brusques de personnage. Un auteur qui peut avoir la latitude d’être en poste sur plusieurs années pourra développer patiemment certaines idées.

Nous sommes tombés sur cette critique du numéro 7 de la série Miracleman et ce passage nous a interpellés :

« Overall, the primary content of this issue is still quite excellent. Once again Cream is a confounding influence and the art does see a decline in quality, but the story is still very engaging and I’m honestly intrigued to see how Moran gets himself out of this mess. You see, Gargunza used the term “Abraxas” to turn Miracleman back into Moran. The word keeps him in his human state for an hour. He and Cream are then given a head start to run away from Miracledog before he is sicced on them. Cream hands Moran a gun before running off to be decapitated by Miracledog. The issue ends on a very human and very scared Moran confronted by the beast. I have no idea how he can save himself but I’m excited to find out. » (Micheal Brown, «Marvel’s Miracleman # 7: Enter Chuck Austen», comicbook.com, June 6, 2014)

Il y a un équilibre délicat à maintenir entre une définition complète d’un personnage et le maintien d’une aura de mystère qui laisse au lecteur une part d’interprétation à réaliser. Cette frontière est mince. Personnellement, nous ne cherchons pas à expliquer outre-mesure les choix psychologiques de nos personnages, mais nous ne souhaitons pas délaisser certaines actions concrètes qui ont été posées. Cette frontière est d’autant plus difficile à tracer que nous ne savons pas toujours où certaines actions vont mener. Par exemple, au départ, Fabien ne souhaitait pas dormir. Par la suite, nous avons vu que ses anciens collègues décédés apparaissaient dans ses cauchemars. Par après, il entendait des voix. Ces événements se sont greffés les uns aux autres sans qu’ils ne soient planifiés au départ. Cependant, ils ont pu culminer avec l’aventure « La guerre psychologique ». L’auteur peut être surpris de ses propres revirements, mais il ne devrait pas larguer le lecteur en chemin s’il avance certains événements.

Nous ne souhaitons pas offrir des conseils de rédaction, nous avons encore trop à apprendre, mais nous aimons lire de tels conseil. Ainsi, Dennis O’Neil (« Dennis O’Neil: Mark Twain and the Seven Basic Plots », www.comicmix.com, April 24, 2014) présente une liste de conseils assez exhaustive. De la liste, nous retenons le dernier conseil de rédaction : employer une liste d’écriture simple et directe. Personne ne va vous donner un prix pour un tel style, mais cela aura au moins le mérite d’être en phase avec le niveau de langage de vos personnages.

Slimybug dans son analyse de la trilogie Dark Knight de Christopher Nolan arrive à cette conclusion: « Many superhero films, including the first two films in this series, are about facing responsibility and obligations to others. The Dark Knight Rises is unique as a film in that it is about hero needing to love himself. » (Slimybug, « The Themes And Meanings Of THE DARK KNIGHT Trilogy », www.comicbookmovie.com, January 14, 2014).

Pour Chris Sims, il peut s’agir d’un pari risqué d’un point de vue narratif : « But the thing is, as much as they don’t work from a romantic perspective, which is the nature of dramatic tension, they don’t really work from a storytelling perspective, either. » Et ces amoureuses seront pratiquement toujours des personnages de soutien au service du héros, sans reelle existence (Chris Sims « Ask Chris #212: The Many Loves Of Batman », www.comicsalliance.com, September 12, 2014).

Dans ces circonstances, tout l’équilibre de la rédaction est de donner une existence propre à la maîtresse sans que son rôle ne se limite à devenir la demoiselle en détresse ou l’agneau sacrifié. Ce piège peut être évité dans un film de deux heures, mais il devient plus difficile à réaliser dans une série de longue durée.

Notre admiration de Mark Waid est sans limite, nous apprécions le regard qu’il pose sur son propre travail. Dans une entrevue qu’il accordait, il mentionnait cette phrase que nous trouvons importante : « I love the new directions of your Marvel books. Both Bruce Banner and Matt Murdock have fresh “onwards and upwards” attitudes. They’re deciding to change, whereas most of the time superheroes are more reacting to external events. » Réagir aux événements et il donne un exemple :

« I think you see very clearly in Daredevil that depression is inertia. What fuels depression is that sense of helplessness, that sense of not knowing what to do next, that image of sitting on a gargoyle in the rain on the rooftop, frozen by inaction. To me, Daredevil come to grips with that and is actively pushing past. I wrote a scene where he feels that paralysis that comes with depression and he pushes through it.  He makes an active decision to move forward.  Any movement is better than no movement at all. » (« Interview: Mark Waid on the Inner Demons of Daredevil, Attitude Adjustment for the Hulk, and the Thrill of Digital Comics », www.comicsbeat.com, February 10, 2014).

Parallèlement, Greg Rucka revenait sur son travail sur Batman et du décès de Sarah Essen et Rucka de mentionner que « this death has to mean someting.» (Chris Sims, « Born In A World Of Tragedy: Greg Rucka Reflects On His Batman Work, Part One », www.comicsalliance.com, September 17, 2014 »). Et si l’on revient au titre où est tirée cette citation, les personnages peuvent vivre des tragédies, des événements sur lesquels ils n’ont pas de contrôle et en contrepartie ces mêmes événements doivent avoir une signification.

Le héros doit prendre son destin en main et parallèlement, il ne peut pas rester indifférent aux tragédies qui l’entourent. À la conclusion de l’aventure « Contre-offensive », Benson et ses collègues reviennent vers l’Enceinte. Ils étaient pratiquement une vingtaine au départ et au retour ils sont à peine une demi-douzaine. Ont-ils gagné alors qu’ils ont été décimés? Jenny a perdu son frère. Liane est traumatisée par la furie du combat et Benson doit assumer le poids de ses décisions. Ils doivent méditer, intégrer, les conséquences de leurs actions et de celles des autres. Cette réflexion doit mener aux prochains événements, c’est de cette façon que nous voyons que le héros contrôle son destin.

Dans un billet précédent, nous avancions qu’il ne fallait pas laisser le lecteur en plan sur certains sous-événements et du même souffle nous disions que l’auteur ne peut prévoir tous les revirements. Nous considérons que notre webcomics permet de combler une partie de ces lacunes. D’abord, en séparant l’univers en quatre trames nous pouvons traiter une série de sous-intrigues en simultané. Ensuite, en les traitant à des périodes différentes, ces intrigues ont leur propre rythme. Finalement et surtout, puisque certaines trames ne sont pas diffusées chronologiquement, nous pouvons faire des ajustements en allant combler des trous.

Par exemple, nous avions convenus que Gypsie et Tucker se détestaient. Cette animosité avait été le moteur pour amener Gypsie à découvrir les secrets de Travis. Cependant, une fois Gypsie à l’Enceinte, il y aurait dû y avoir une période de temps où ces personnages auraient dû se croiser. Nous n’avions pas envisagé de telles rencontres. Ce n’est qu’en septembre 2015 que nous avons publié une telle rencontre permettant de résoudre une faiblesse dans notre scénario. Aussi, en rédigeant cette aventure, pourquoi ne pas sous-entendre autre chose qui aura pesé sur le destin de Tucker.